来源中国美术

画画的人都想进入艺术史，这是作为一个画家一般的要求。但是谁能进入艺术史？谁的画能够长久保留下来？这是一个大问题。

学习书画，技法必须懂，比如书法，怎样提、怎样按、怎样转折等必须知道。书法必须有人指导，绘画还好一点，书法没人指导肯定学不好。但是如果不故弄玄虚的话，所有书法上的奥妙，两个小时都能讲光，但练是一辈子的事情。所以我觉得大家学画，技法当然要知道，最重要的还要知道道理，这相当关键。李可染就是时时思考问题，他成功了，思考是关键。我们现在谈优秀艺术家和艺术作品的标准。

一、技术和功力

在国外绘画只谈技术，尤其西洋画要的就是技术；在中国谈功力，功力是技术的升华。中国的功力和国外的技术有什么区别？国外的绘画就是画，中国的画是一种文化，是哲学，两者不一样。

徐禹功《雪中梅竹图》

中国绘画讲究文化内涵。外国人以为最美的花就是玫瑰，送给老师、送给情人，但是中国人画四君子，梅兰竹菊。梅兰竹菊它不是美，而是有哲学含义。

吴昌硕画兰

白石老人画菊花

竹刚劲、有节、虚心，梅花抗严寒这都有哲学含义，所以中国的绘画是哲学的，有文化内涵，和国外的是不一样的。中国画讲功力(也主要是文化内涵)，当然功力当中也包括技术，技术就是手法。这两者不一样，我们看有的画家，他的画有很新的形式，却没有传统功力，但是他又有技术，你有新的想法，就必须有技术表达这种想法。我们说李白、杜甫学养相当高，但他们不会画画，他们没有这个技术，他们如果有技术的话，他们的书法和绘画肯定都超过一般人，这是肯定的。

徐渭《雪竹》

二、独创性和鲜明特色

你有技术你有功力，老画老一套，也不能成为优秀的艺术家，你的艺术作品也不能进入艺术史，你必须有独创性或者鲜明的特色。这个独创性和鲜明的特色有什么区别？

独创性必然有鲜明特色，有鲜明特色未必有独创性。当然，你把这个鲜明特色看作是独创性，也是可以的，但是两者还是有区别的。

隶书

我们以书法为例，小篆到大篆，大篆到隶书，隶书到楷书、草书，尤其是草书我觉得很了不起。我觉得草书的发明人是非常了不起的，当然最早发明书法的人更了不起，那绝对是独创，到后来草书的发明，我到现在没有研究好，是怎么一下子变成那个样子。

其实还没有楷书的时候就有草书，它从隶书、行书变来的，一下变得那么快，这都叫独创性。篆书变成隶书，隶书变成楷书都是独创。

王羲之《快雪时晴帖》

说王羲之成为书圣，书法到王羲之基本上定型不再变。王羲之的时候楷书、草书、行书，都定型了，只有一个王羲之能成为书圣，其他人都不可成为书圣，连颜真卿那么大的书法家也没有人称他为书圣，为什么，就是书法到王羲之已经定型了，不再变了，再变就是特色的区别。

颜真卿《多宝塔碑》

颜真卿他没有独创性，当然也可以说他有独创性，颜体是他的独创。就书体来讲他没有变，但是他有鲜明特色。独创性和鲜明特色是有不同的地方的。大家画画，能达到有鲜明特色就了不起，鲜明特色我们也可以称它为有一点儿独创性。但独创的要过分了，也是有问题的。

关良作品

三、审美

美术必须有审美的因素，如果你画出来不美的东西还是不行。

原子弹技术也很高，也有独创性，但是我们艺术史不能写原子弹，为什么？因为它不是以审美为标准的。所以我们不要相信那些胡扯淡的理论家讲的，说丑也是一种美，丑就是丑的，丑怎么是美？说到丑石就美，丑石是你叫它丑石的，其实它是美石头，你又给他起一个怪名字，叫丑石，它本身还是美的。真正丑的东西还是不行。所以大家以后创作还是要把审美作为一个重要的标准，否则你的画还是没有人看。

中国的审美还有文化内涵在里边，没有文化内涵，那是皮相之美，也是中国的艺术家历来反对的。中国的审美必须有文化内涵和哲学基础，这一条和外国不一样。

任伯年骑驴敲诗图

四、社会公认

社会公认当然主要是专家认可，专家认可带动社会认可。这一条也约束上面三条。我自认为我的画有技术、有功力、有独创性、有审美，那你写美术史必须写我。自己认为不行，还得社会公认。社会公认、专家认可也是从艺术上认可，而不是商业认可。

你只要画得好，社会肯定会认可，因为中国之大，有水平的人多得很。曹雪芹写红楼梦的时候，没有什么怨言，他孩子饿死了，他在那埋头写。他最大的痛苦，是没人理解，那后来了解他的人非常多，大家争着去了解他，去研究他。如果写得不好，老是媚俗，力求叫大家都理解，最后大家都不去理解他。

绘画只要有功力，有鲜明特色，有审美的因素，社会就肯定会认可。但是社会认可，和上面三条不是成正比的，不是说绘画有相当高的技术和特色，社会就非常认可你，但是你十分差的东西社会肯定不认可。

王时敏山水

我们举“四王”的例子，“四王”有人说他们画得好，有人说他们画得不好，但总之不是太差，如果太差，他们不会有那么高的影响力。但总体来讲，他们的才气又不是太大，但是美术史必须记载“四王”，为什么？就是他社会公认度大，影响非常大，全国都用他的画风。在这个时候，美术史上不是根据他的艺术水平，而是根据他的影响力、社会认知度来记载他。

芥子园

国画界丹青圣手的摇篮

《芥子园画谱》成书于清代，自此便风行了余年，毫不夸张地说：它是艺术名家的摇篮，可以快速培养艺术修养。

《芥子园画谱》自出版三百多年以来，不断拓展出新，历来被世人所推崇，为世人学画必修之书。在它的启蒙和熏陶之下，培养和造就了无数的中国画名家。

近现代的一些画坛名家如黄宾虹、齐白石、潘天寿、傅抱石等，都从《芥子园画谱》迈出了画家生涯的第一步。称《芥子园画谱》为启蒙之良师，一点也不过分。

齐白石把《芥子园画谱》当做自己的启蒙老师，他的回忆自述说，借来的书，用松油柴火为灯，一幅一幅的勾影。足足画了半年，把一部《芥子园画谱》，除了残缺的一本以外，都勾影完了，钉成了十六本。

齐白石

《芥子园画谱》施惠画坛余年，育出代代名家，可谓功德无限。何镛称此书“足以名世，足以寿世”，然也。

然而，多年前的教材，在瞬息万变的今天，是不是已经过时了？

这个问题，由著名艺术家、现中央美术学院副院长、教授、博士生导师徐冰先生来回答再恰当不过了。

徐冰年完成的《芥子园山水卷》的灵感，

就是来自于这本古老的教科书。

徐冰认为，这本书是中国绘画的精华与浓缩，最代表中国文化和艺术核心，他说：

《芥子园画谱》就是符号的字典。

它收集了各种各样的典型范式。人分几群，独坐看花式、两人看云式、三人对立式、四人坐饮式：一个人是什么姿势，两个人是什么姿势，小孩问路是什么姿势，都是规定好的。

所以，艺术家只要像背字典一样记住“偏旁部首”、再去拼接组合描绘世界万物。

中国画讲究纸抄纸，不讲究写生，过去都是靠临摹，到清代总结出来，这些拷贝的范本分类、细化，变成一本书。

这就是为什么《芥子园画谱》是集中了中国人艺术的核心方法与态度的一本书。”

在康熙年间，《芥子园画传》原版初集就已稀贵如金了，常人难睹其真容。清末时，芥予园旧版已毁废，直至上世纪七十年代《芥子园画传》初集首次在海外被重新发现。

山水卷画论部分《画学浅说》首页，

字大行稀，绝对不用担心看成近视眼。

书中较为系统介绍了中国画的基本技法及绘画、品画的基本技艺。绘画基本技巧介绍科学合理，浅显明了，使初学者易领会、易临摹。

画谱内容丰富，荟萃中国历代著名画家模仿作品，为中国画初学者最宝贵之画谱宝库。故此画谱问世三百多年来，风行于画坛，至今不衰。

对此传世珍宝，我们竭尽全力，重新编辑出版了这本《芥子园画谱》线装彩页版，希图将其精髓尽现于您眼前。

全书主要分为初集、二集、三集三部分，囊括树谱、山石谱、人物屋宇谱、梅兰竹菊谱、花卉草虫翎毛谱之精华内容。除此之外，并附中国画的绘画技法、各名家画论及经典画作于其中，以飨读者。

《芥子园画谱》深入浅出，循循善诱，令人读之如醍醐灌顶，顿开茅塞。

芥子虽小，可纳须弥山。

《芥子园画谱》的影响力犹如这枚小小的种子，携带着能量，飘散在各处，在每一个人心中种下一座须弥山。

《芥子园画谱》是一套世间少有珍藏的艺术品；同时也是零基础学者的入门教科书。不管是拿来欣赏，还是作为绘画入门的书本，大家都应该看看这套书。

《芥子园画谱》手工仿古线装彩页版

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